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Cette pièce de Broadway est fermée, mais son Pierogi survit

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Du spectacle gratuit au restaurant LES

Samovarchik / Yelp

Samovarchik

La pièce de Broadway Natasha, Pierre et la Grande Comète de 1812 brûlé rapidement sur la Grande Voie Blanche. Mais un aspect perdure : le pierogi.

Avant chaque spectacle de la reconstitution musicale de Guerre et Paix, les spectateurs ont reçu un seul pierogi de pomme de terre. Ces petites boulettes très demandées vivent au Samovarchik, un petit café du Lower East Side de Manhattan. Le comptoir sans rendez-vous vend "The Famous" Great Comet Pirogie "" à cinq pour 3 $, c'est donc probablement le meilleur repas pas cher de la ville.

Les boulettes originales de la comédie musicale provenaient de Midtown's Samovar russe, il est donc normal que le plus petit emplacement du centre-ville utilise le suffixe russe -chik pour désigner le diminutif).

Alors passez par la petite boutique de Stanton Street et voyez si vous faites une ovation debout au pierogi.


Woke up Broadway : la difficulté de mettre à jour des histoires pour la scène

Voici une question de Tootsie, la comédie musicale de Broadway sur un acteur au chômage qui se travestit pour le succès : « A une époque où les femmes reprennent littéralement leur pouvoir entre les jambes des hommes, vous avez l'audace de enlever un travail à un en commettant un ? Cette ligne se démarque pour plusieurs raisons.

Est-ce vraiment un pouvoir qui intéresse les femmes ?

C'est en fait une très bonne question.

Comme Broadway dépend de plus en plus des adaptations cinématographiques et des reprises chics, les créateurs ont un nouveau travail à faire (pas que tous le fassent) : réviser le matériel original afin qu'il n'affronte pas un public contemporain et prouver que rendre un scénario plus sensible ne ne le rendez pas moins tranchant ou drôle. Les mises à jour de livres suppriment généralement le langage raciste ou homophobe et améliorent certains, mais généralement pas tous, du sexisme le plus évident. Les paroles sont également souvent modifiées. Mais de nombreuses comédies musicales qui visent le réveil sont encore à moitié endormies. Comme Tootsie, un spectacle bien intentionné, sans doute plus drôle que le film de 1982 qui l'a inspiré. Il a atténué la panique gaie et a obligé son protagoniste masculin à tenir compte de ses actions. Et pourtant, il ne pouvait toujours pas gérer un rôle féminin entièrement dimensionné.

Les interventions de Tootsie, sinon entièrement réussies, étaient plus bénignes et moins grossières que quelques autres adaptations cinématographiques en musique, King Kong et Pretty Woman, qui se terminent toutes deux ce mois-ci. King Kong, un exercice cynique construit autour d'une marionnette simienne gigantesque et certes fantastique, tente de défaire une partie du racisme et de la rapine du film original en choisissant un acteur de couleur, Christiani Pitts, dans le rôle de l'actrice Ann Darrow et en désexualisant ce personnage. Mais en créant un lien entre un personnage noir et le singe et en lui faisant apprendre à rugir, le livre de Jack Thorne fait le commerce d'un primitivisme inquiétant.

Christiani Pitts dans le rôle d'Ann Darrow avec King Kong. Photographie : Matthew Murphy/King Kong à Broadway

King Kong n'a pas pris la peine d'attribuer à Ann des traits de caractère autres que vaguement courageux. Là encore, ses autres personnages sont tout aussi minces. Pretty Woman, un haut niveau de l'insipide et du ton sourd, a réussi un personnage tout en rondeur avec des espoirs et des rêves identifiables. Ce n'est pas Vivian, la chercheuse titulaire. Elle n'est même pas la protagoniste. Son vagin n'est que le moyen par lequel Edward, un investisseur en capital-risque, peut grandir. Étonnamment, peu d'attention a été accordée à la façon dont une histoire sur une travailleuse du sexe sans agence apparente se jouera maintenant. (À la moitié de sa capacité, la plupart des semaines.) Dans ce qui est apparemment le seul effort de récupération de la soirée, le livre de Garry Marshall et JF Lawton permet maintenant à Vivian de se sauver en battant un john qui ne veut pas de réponse. C'est un geste macho et malavisé, assimilant l'autonomisation à la violence.

Un problème similaire a assailli la reprise récemment fermée de Kiss Me, Kate, bien que les mises à jour d'Amanda Green sur le livre de Bella et Samuel Spewack et les paroles de Cole Porter soient pour la plupart astucieuses et réfléchies. Dans l'original, lorsque l'acteur Lilli ne se soumet pas à son réalisateur et partenaire de scène, Fred, il lui donne une fessée sur scène. Dans cette version, Lilli lui botte littéralement le cul et dans la scène suivante, aucun des deux ne peut s'asseoir, ce qui adoucit la violence contre les femmes, mais ne donne toujours pas l'impression d'être une amélioration.

Pourtant, il bat le Carousel de la saison dernière, qui a reconnu que son héros batteur de femme et son livre il m'a frappé et s'est senti comme un baiser pourraient être un problème et n'a rien fait à ce sujet en tant que réalisateur. En revanche, le remaniement audacieux de l'Oklahoma par Daniel Fish ! parvient à offrir pleine voix et intériorité à tous ses personnages (il est vrai que Rodgers et Hammerstein sont allés assez loin tout seuls), tout en se délectant de ses chansons joyeuses. Sans changer une ligne, cela montre également comment une culture de droit masculin et d'accès facile aux armes à feu empoisonne toute une communauté, frontalière ou autre. Et My Fair Lady de Bartlett Sher, qui a fermé ses portes ce printemps, a levé une ligne et une scène étranges du film Pygmalion de 1938, pour mieux exposer le féminisme déjà encodé dans l'ADN de la série, montrant comment le chemin d'Eliza vers l'individualité n'incluait pas la soumission à un homme qui ne pouvait pas admettre l'aimer. Il pourrait avoir ses propres pantoufles.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James et Jeigh Madjus au Moulin Rouge. Photographie : Matthew Murphy

J'ai repensé à ces différentes interventions le mois dernier au Moulin Rouge !, une autre adaptation d'un film populaire. La comédie musicale, avec un livre de John Logan, a fait baisser certains drapeaux rouges, tout en faisant une danse cancan avec d'autres. Comme l'original de Baz Luhrmann, il se concentre apparemment sur Satine, une célèbre actrice et star de cabaret, et les hommes qui l'aiment, Christian, un auteur-compositeur sans le sou, et le duc de Monroth, un noble et producteur pensif.

Mais dans cette version, réalisée par Alex Timbers, la comédie musicale que Christian est en train d'écrire ne se déroule plus en Inde, un geste qui esquive le brownface et l'appropriation culturelle. La sexualité et les costumes à peine là sont désormais l'égalité des chances. La comédie musicale remplace judicieusement la tentative de viol titillante du film par l'acquiescement aux yeux ouverts, mais sans enthousiasme, de Satine. Cela lui donne même un motif semi-noble. Elle bottera le duc (maintenant plus jeune et plus sexy et beaucoup moins fou) non seulement pour son argent, mais aussi pour sauver la boîte de nuit.

Pourtant, la comédie musicale n'a pas pris la peine de donner à Satine endurcie ses propres ambitions – quelque chose que même le film a réussi, avec le rêve de Satine de devenir un véritable acteur – ou de rendre son personnage aussi actif que les hommes en compétition pour son corps. Elle vit, et meurt commodément, en tant qu'inspiration et objet.

La saison suivante de Broadway est toujours en mouvement et il y a beaucoup de nouvelles pièces de théâtre et comédies musicales – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – qui n'ont pas à se soucier des mises à jour. Mais avec des œuvres telles que Mrs Doubtfire et Some Like It Hot en développement, davantage d'adaptations cinématographiques en musique sur des hommes talentueux pour le travestissement, et The Devil Wears Prada, qui utilisait des mots à la mode féministes tout en se penchant sur les stéréotypes de genre (pour ne rien dire de Don 't Stop Til You Get Enough, la comédie musicale de Michael Jackson qui doit décider s'il faut ou non tenir compte des accusations d'abus en série de Jackson), les créateurs devront décider comment ou s'ils amélioreront les originaux. Si Broadway veut avoir le mérite d'être réveillé, il devrait peut-être régler son alarme plus tôt.


Woke up Broadway : la difficulté de mettre à jour des histoires pour la scène

Voici une question de Tootsie, la comédie musicale de Broadway sur un acteur au chômage qui se travestit pour le succès : « A une époque où les femmes reprennent littéralement leur pouvoir entre les jambes des hommes, vous avez l'audace de enlever un travail à un en commettant un ? Cette ligne se démarque pour plusieurs raisons.

Est-ce vraiment un pouvoir qui intéresse les femmes ?

C'est en fait une très bonne question.

Alors que Broadway dépend de plus en plus des adaptations cinématographiques et des reprises chics, les créateurs ont un nouveau travail à faire (pas que tous le fassent) : réviser le matériel original afin qu'il n'affronte pas un public contemporain et prouver que rendre un scénario plus sensible ne ne le rendez pas moins tranchant ou drôle. Les mises à jour de livres suppriment généralement le langage raciste ou homophobe et améliorent certains, mais généralement pas tous, du sexisme le plus évident. Les paroles sont également souvent modifiées. Mais de nombreuses comédies musicales qui visent le réveil sont encore à moitié endormies. Comme Tootsie, un spectacle bien intentionné, sans doute plus drôle que le film de 1982 qui l'a inspiré. Il a atténué la panique gaie et a obligé son protagoniste masculin à tenir compte de ses actions. Et pourtant, il ne pouvait toujours pas gérer un rôle féminin entièrement dimensionné.

Les interventions de Tootsie, sinon entièrement réussies, étaient plus bénignes et moins grossières que quelques autres adaptations cinématographiques en musique, King Kong et Pretty Woman, qui se terminent toutes deux ce mois-ci. King Kong, un exercice cynique construit autour d'une marionnette simienne gigantesque et certes fantastique, tente de défaire une partie du racisme et de la rapine du film original en choisissant un acteur de couleur, Christiani Pitts, dans le rôle de l'actrice Ann Darrow et en désexualisant ce personnage. Mais en créant un lien entre un personnage noir et le singe et en lui faisant apprendre à rugir, le livre de Jack Thorne fait le commerce d'un primitivisme inquiétant.

Christiani Pitts dans le rôle d'Ann Darrow avec King Kong. Photographie : Matthew Murphy/King Kong à Broadway

King Kong n'a pas pris la peine d'attribuer à Ann des traits de caractère autres que vaguement courageux. Là encore, ses autres personnages sont tout aussi minces. Pretty Woman, un haut niveau de l'insipide et du ton sourd, a réussi un personnage tout en rondeur avec des espoirs et des rêves identifiables. Ce n'est pas Vivian, la chercheuse titulaire. Elle n'est même pas la protagoniste. Son vagin n'est que le moyen par lequel Edward, un investisseur en capital-risque, peut grandir. Étonnamment, peu d'attention a été accordée à la façon dont une histoire sur une travailleuse du sexe sans agence apparente se jouera maintenant. (À la moitié de sa capacité, la plupart des semaines.) Dans ce qui est apparemment le seul effort de récupération de la soirée, le livre de Garry Marshall et JF Lawton permet maintenant à Vivian de se sauver en battant un john qui ne veut pas de réponse. C'est un geste macho et malavisé, assimilant l'autonomisation à la violence.

Un problème similaire a assailli la reprise récemment fermée de Kiss Me, Kate, bien que les mises à jour d'Amanda Green sur le livre de Bella et Samuel Spewack et les paroles de Cole Porter soient pour la plupart astucieuses et réfléchies. Dans l'original, lorsque l'acteur Lilli ne se soumet pas à son réalisateur et partenaire de scène, Fred, il lui donne une fessée sur scène. Dans cette version, Lilli lui botte littéralement le cul et dans la scène suivante, aucun des deux ne peut s'asseoir, ce qui adoucit la violence contre les femmes, mais ne donne toujours pas l'impression d'être une amélioration.

Pourtant, il bat le Carousel de la saison dernière, qui a reconnu que son héros batteur de femme et son livre il m'a frappé et s'est senti comme un baiser pourraient être un problème et n'a rien fait à ce sujet en tant que réalisateur. En revanche, le remaniement audacieux de l'Oklahoma par Daniel Fish ! parvient à offrir pleine voix et intériorité à tous ses personnages (il est vrai que Rodgers et Hammerstein sont allés assez loin tout seuls), tout en se délectant de ses chansons joyeuses. Sans changer une ligne, cela montre également comment une culture de droit masculin et d'accès facile aux armes à feu empoisonne toute une communauté, frontalière ou autre. Et My Fair Lady de Bartlett Sher, qui a fermé ses portes ce printemps, a levé une ligne et une scène étranges du film Pygmalion de 1938, pour mieux exposer le féminisme déjà encodé dans l'ADN de la série, montrant comment le chemin d'Eliza vers l'individualité n'incluait pas la soumission à un homme qui ne pouvait pas admettre l'aimer. Il pourrait avoir ses propres pantoufles.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James et Jeigh Madjus au Moulin Rouge. Photographie : Matthew Murphy

J'ai repensé à ces différentes interventions le mois dernier au Moulin Rouge !, une autre adaptation d'un film populaire. La comédie musicale, avec un livre de John Logan, a fait baisser certains drapeaux rouges, tout en faisant une danse cancan avec d'autres. Comme l'original de Baz Luhrmann, il se concentre apparemment sur Satine, une célèbre actrice et star de cabaret, et les hommes qui l'aiment, Christian, un auteur-compositeur sans le sou, et le duc de Monroth, un noble et producteur pensif.

Mais dans cette version, réalisée par Alex Timbers, la comédie musicale que Christian est en train d'écrire ne se déroule plus en Inde, un geste qui esquive le brownface et l'appropriation culturelle. La sexualité et les costumes à peine là sont désormais l'égalité des chances. La comédie musicale remplace judicieusement la tentative de viol titillante du film par l'acquiescement aux yeux ouverts, mais sans enthousiasme, de Satine. Cela lui donne même un motif semi-noble. Elle bottera le duc (maintenant plus jeune et plus sexy et beaucoup moins fou) non seulement pour son argent, mais aussi pour sauver la boîte de nuit.

Pourtant, la comédie musicale n'a pas pris la peine de donner à Satine endurcie ses propres ambitions – quelque chose que même le film a réussi, avec le rêve de Satine de devenir une vraie actrice – ou de rendre son personnage aussi actif que les hommes en compétition pour son corps. Elle vit, et meurt commodément, en tant qu'inspiration et objet.

La saison suivante de Broadway est toujours en mouvement et il y a beaucoup de nouvelles pièces de théâtre et comédies musicales – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – qui n'ont pas à se soucier des mises à jour. Mais avec des œuvres telles que Mrs Doubtfire et Some Like It Hot en développement, davantage d'adaptations cinématographiques en musique sur des hommes talentueux pour le travestissement, et The Devil Wears Prada, qui utilisait des mots à la mode féministes tout en se penchant sur les stéréotypes de genre (pour ne rien dire de Don 't Stop Til You Get Enough, la comédie musicale de Michael Jackson qui doit décider s'il faut ou non tenir compte des accusations d'abus en série de Jackson), les créateurs devront décider comment ou s'ils amélioreront les originaux. Si Broadway veut avoir le mérite d'être réveillé, il devrait peut-être régler son alarme plus tôt.


Woke up Broadway : la difficulté de mettre à jour des histoires pour la scène

Voici une question de Tootsie, la comédie musicale de Broadway sur un acteur au chômage qui se travestit pour le succès : « A une époque où les femmes reprennent littéralement leur pouvoir entre les jambes des hommes, vous avez l'audace de enlever un travail à un en commettant un ? Cette ligne se démarque pour plusieurs raisons.

Est-ce vraiment un pouvoir qui intéresse les femmes ?

C'est en fait une très bonne question.

Comme Broadway dépend de plus en plus des adaptations cinématographiques et des reprises chics, les créateurs ont un nouveau travail à faire (pas que tous le fassent) : réviser le matériel original afin qu'il n'affronte pas un public contemporain et prouver que rendre un scénario plus sensible ne ne le rendez pas moins tranchant ou drôle. Les mises à jour de livres suppriment généralement le langage raciste ou homophobe et améliorent certains, mais généralement pas tous, du sexisme le plus évident. Les paroles sont également souvent modifiées. Mais de nombreuses comédies musicales qui visent le réveil sont encore à moitié endormies. Comme Tootsie, un spectacle bien intentionné, sans doute plus drôle que le film de 1982 qui l'a inspiré. Il a atténué la panique gaie et a obligé son protagoniste masculin à tenir compte de ses actions. Et pourtant, il ne pouvait toujours pas gérer un rôle féminin entièrement dimensionné.

Les interventions de Tootsie, sinon entièrement réussies, étaient plus bénignes et moins grossières que quelques autres adaptations cinématographiques en musique, King Kong et Pretty Woman, qui se terminent toutes deux ce mois-ci. King Kong, un exercice cynique construit autour d'une marionnette simienne gigantesque et certes fantastique, tente de défaire une partie du racisme et de la rapine du film original en choisissant un acteur de couleur, Christiani Pitts, dans le rôle de l'actrice Ann Darrow et en désexualisant ce personnage. Mais en créant un lien entre un personnage noir et le singe et en lui faisant apprendre à rugir, le livre de Jack Thorne fait le commerce d'un primitivisme inquiétant.

Christiani Pitts dans le rôle d'Ann Darrow avec King Kong. Photographie : Matthew Murphy/King Kong à Broadway

King Kong n'a pas pris la peine d'attribuer à Ann des traits de caractère autres que vaguement courageux. Là encore, ses autres personnages sont tout aussi minces. Pretty Woman, un haut niveau de l'insipide et du ton sourd, a réussi un personnage tout en rondeur avec des espoirs et des rêves identifiables. Ce n'est pas Vivian, la chercheuse titulaire. Elle n'est même pas la protagoniste. Son vagin n'est que le moyen par lequel Edward, un investisseur en capital-risque, peut grandir. Étonnamment, peu d'attention a été accordée à la façon dont une histoire sur une travailleuse du sexe sans agence apparente se jouera maintenant. (À la moitié de sa capacité, la plupart des semaines.) Dans ce qui est apparemment le seul effort de récupération de la soirée, le livre de Garry Marshall et JF Lawton permet maintenant à Vivian de se sauver en battant un john qui ne veut pas de réponse. C'est un geste macho et malavisé, assimilant l'autonomisation à la violence.

Un problème similaire a assailli la reprise récemment fermée de Kiss Me, Kate, bien que les mises à jour d'Amanda Green sur le livre de Bella et Samuel Spewack et les paroles de Cole Porter soient pour la plupart astucieuses et réfléchies. Dans l'original, lorsque l'acteur Lilli ne se soumet pas à son réalisateur et partenaire de scène, Fred, il lui donne une fessée sur scène. Dans cette version, Lilli lui botte littéralement le cul et dans la scène suivante, aucun des deux ne peut s'asseoir, ce qui adoucit la violence contre les femmes, mais ne donne toujours pas l'impression d'être une amélioration.

Pourtant, il bat le Carousel de la saison dernière, qui a reconnu que son héros batteur de femme et son livre il m'a frappé et s'est senti comme un baiser pourraient être un problème et n'a rien fait à ce sujet en tant que réalisateur. En revanche, le remaniement audacieux de l'Oklahoma par Daniel Fish ! parvient à offrir pleine voix et intériorité à tous ses personnages (il est vrai que Rodgers et Hammerstein sont allés assez loin tout seuls), tout en se délectant de ses chansons joyeuses. Sans changer une ligne, cela montre également comment une culture de droit masculin et d'accès facile aux armes à feu empoisonne toute une communauté, frontalière ou autre. Et My Fair Lady de Bartlett Sher, qui a fermé ses portes ce printemps, a levé une ligne et une scène étranges du film Pygmalion de 1938, pour mieux exposer le féminisme déjà encodé dans l'ADN de la série, montrant comment le chemin d'Eliza vers l'individualité n'incluait pas la soumission à un homme qui ne pouvait pas admettre l'aimer. Il pourrait avoir ses propres pantoufles.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James et Jeigh Madjus au Moulin Rouge. Photographie : Matthew Murphy

J'ai repensé à ces différentes interventions le mois dernier au Moulin Rouge !, une autre adaptation d'un film populaire. La comédie musicale, avec un livre de John Logan, a fait baisser certains drapeaux rouges, tout en faisant une danse cancan avec d'autres. Comme l'original de Baz Luhrmann, il se concentre apparemment sur Satine, une célèbre actrice et star de cabaret, et les hommes qui l'aiment, Christian, un auteur-compositeur sans le sou, et le duc de Monroth, un noble et producteur pensif.

Mais dans cette version, réalisée par Alex Timbers, la comédie musicale que Christian est en train d'écrire ne se déroule plus en Inde, un geste qui esquive le brownface et l'appropriation culturelle. La sexualité et les costumes à peine là sont désormais l'égalité des chances. La comédie musicale remplace judicieusement la tentative de viol titillante du film par l'acquiescement aux yeux ouverts, mais sans enthousiasme, de Satine. Cela lui donne même un motif semi-noble. Elle bottera le duc (maintenant plus jeune et plus sexy et beaucoup moins fou) non seulement pour son argent, mais aussi pour sauver la boîte de nuit.

Pourtant, la comédie musicale n'a pas pris la peine de donner à Satine endurcie ses propres ambitions – quelque chose que même le film a réussi, avec le rêve de Satine de devenir un véritable acteur – ou de rendre son personnage aussi actif que les hommes en compétition pour son corps. Elle vit et meurt commodément, en tant qu'inspiration et objet.

La saison suivante de Broadway est toujours en mouvement et il y a beaucoup de nouvelles pièces de théâtre et comédies musicales – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – qui n'ont pas à se soucier des mises à jour. Mais avec des œuvres telles que Mrs Doubtfire et Some Like It Hot en développement, davantage d'adaptations cinématographiques en musique sur des hommes talentueux pour le travestissement, et The Devil Wears Prada, qui utilisait des mots à la mode féministes tout en se penchant sur les stéréotypes de genre (pour ne rien dire de Don 't Stop Til You Get Enough, la comédie musicale de Michael Jackson qui doit décider s'il faut ou non tenir compte des accusations d'abus en série de Jackson), les créateurs devront décider comment ou s'ils amélioreront les originaux. Si Broadway veut avoir le mérite d'être réveillé, il devrait peut-être régler son alarme plus tôt.


Woke up Broadway : la difficulté de mettre à jour des histoires pour la scène

Voici une question de Tootsie, la comédie musicale de Broadway sur un acteur au chômage qui se travestit pour le succès : « A une époque où les femmes reprennent littéralement leur pouvoir entre les jambes des hommes, vous avez l'audace de enlever un travail à un en commettant un ? Cette ligne se démarque pour plusieurs raisons.

Est-ce vraiment un pouvoir qui intéresse les femmes ?

C'est en fait une très bonne question.

Comme Broadway dépend de plus en plus des adaptations cinématographiques et des reprises chics, les créateurs ont un nouveau travail à faire (pas que tous le fassent) : réviser le matériel original afin qu'il n'affronte pas un public contemporain et prouver que rendre un scénario plus sensible ne ne le rendez pas moins tranchant ou drôle. Les mises à jour de livres suppriment généralement le langage raciste ou homophobe et améliorent certains, mais généralement pas tous, du sexisme le plus évident. Les paroles sont également souvent modifiées. Mais de nombreuses comédies musicales qui visent le réveil sont encore à moitié endormies. Comme Tootsie, un spectacle bien intentionné, sans doute plus drôle que le film de 1982 qui l'a inspiré. Il a atténué la panique gaie et a obligé son protagoniste masculin à tenir compte de ses actions. Et pourtant, il ne pouvait toujours pas gérer un rôle féminin entièrement dimensionné.

Les interventions de Tootsie, sinon entièrement réussies, étaient plus bénignes et moins grossières que quelques autres adaptations cinématographiques en musique, King Kong et Pretty Woman, qui se terminent toutes deux ce mois-ci. King Kong, un exercice cynique construit autour d'une marionnette simienne gigantesque et certes fantastique, tente de défaire une partie du racisme et de la rapine du film original en choisissant un acteur de couleur, Christiani Pitts, dans le rôle de l'actrice Ann Darrow et en désexualisant ce personnage. Mais en créant un lien entre un personnage noir et le singe et en lui faisant apprendre à rugir, le livre de Jack Thorne fait le commerce d'un primitivisme inquiétant.

Christiani Pitts dans le rôle d'Ann Darrow avec King Kong. Photographie : Matthew Murphy/King Kong à Broadway

King Kong n'a pas pris la peine d'attribuer à Ann des traits de caractère autres que vaguement courageux. Là encore, ses autres personnages sont tout aussi minces. Pretty Woman, un haut niveau de l'insipide et du ton sourd, a réussi un personnage tout en rondeur avec des espoirs et des rêves identifiables. Ce n'est pas Vivian, la chercheuse titulaire. Elle n'est même pas la protagoniste. Son vagin n'est que le moyen par lequel Edward, un investisseur en capital-risque, peut grandir. Étonnamment, peu d'attention a été accordée à la façon dont une histoire sur une travailleuse du sexe sans agence apparente se jouera maintenant. (À la moitié de sa capacité, la plupart des semaines.) Dans ce qui est apparemment le seul effort de récupération de la soirée, le livre de Garry Marshall et JF Lawton permet maintenant à Vivian de se sauver en battant un john qui ne veut pas de réponse. C'est un geste macho et malavisé, assimilant l'autonomisation à la violence.

Un problème similaire a assailli la reprise récemment fermée de Kiss Me, Kate, bien que les mises à jour d'Amanda Green sur le livre de Bella et Samuel Spewack et les paroles de Cole Porter soient pour la plupart astucieuses et réfléchies. Dans l'original, lorsque l'acteur Lilli ne se soumet pas à son réalisateur et partenaire de scène, Fred, il lui donne une fessée sur scène. Dans cette version, Lilli lui botte littéralement le cul et dans la scène suivante, aucun des deux ne peut s'asseoir, ce qui adoucit la violence contre les femmes, mais ne donne toujours pas l'impression d'être une amélioration.

Pourtant, il bat le Carousel de la saison dernière, qui a reconnu que son héros batteur de femme et son livre il m'a frappé et s'est senti comme un baiser pourraient être un problème et n'a rien fait à ce sujet en tant que réalisateur. En revanche, le remaniement audacieux de l'Oklahoma par Daniel Fish ! parvient à offrir pleine voix et intériorité à tous ses personnages (il est vrai que Rodgers et Hammerstein sont allés assez loin tout seuls), tout en se délectant de ses chansons joyeuses. Sans changer une ligne, cela montre également comment une culture de droit masculin et d'accès facile aux armes à feu empoisonne toute une communauté, frontalière ou autre. Et My Fair Lady de Bartlett Sher, qui a fermé ses portes ce printemps, a levé une ligne et une scène étranges du film Pygmalion de 1938, pour mieux exposer le féminisme déjà encodé dans l'ADN de la série, montrant comment le chemin d'Eliza vers l'individualité n'incluait pas la soumission à un homme qui ne pouvait pas admettre l'aimer. Il pourrait avoir ses propres pantoufles.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James et Jeigh Madjus au Moulin Rouge. Photographie : Matthew Murphy

J'ai repensé à ces différentes interventions le mois dernier au Moulin Rouge !, une autre adaptation d'un film populaire. La comédie musicale, avec un livre de John Logan, a fait baisser certains drapeaux rouges, tout en faisant une danse cancan avec d'autres. Comme l'original de Baz Luhrmann, il se concentre apparemment sur Satine, une célèbre actrice et star de cabaret, et les hommes qui l'aiment, Christian, un auteur-compositeur sans le sou, et le duc de Monroth, un noble et producteur pensif.

Mais dans cette version, réalisée par Alex Timbers, la comédie musicale que Christian est en train d'écrire ne se déroule plus en Inde, un geste qui esquive le brownface et l'appropriation culturelle. La sexualité et les costumes à peine là sont désormais l'égalité des chances. La comédie musicale remplace judicieusement la tentative de viol titillante du film par l'acquiescement aux yeux ouverts, mais sans enthousiasme, de Satine. Cela lui donne même un motif semi-noble. Elle bottera le duc (maintenant plus jeune et plus sexy et beaucoup moins fou) non seulement pour son argent, mais aussi pour sauver la boîte de nuit.

Pourtant, la comédie musicale n'a pas pris la peine de donner à Satine endurcie ses propres ambitions – quelque chose que même le film a réussi, avec le rêve de Satine de devenir un véritable acteur – ou de rendre son personnage aussi actif que les hommes en compétition pour son corps. Elle vit, et meurt commodément, en tant qu'inspiration et objet.

La saison suivante de Broadway est toujours en mouvement et il y a beaucoup de nouvelles pièces de théâtre et comédies musicales – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – qui n'ont pas à se soucier des mises à jour. Mais avec des œuvres telles que Mrs Doubtfire et Some Like It Hot en développement, davantage d'adaptations cinématographiques en musique sur des hommes talentueux pour le travestissement, et The Devil Wears Prada, qui utilisait des mots à la mode féministes tout en se penchant sur les stéréotypes de genre (pour ne rien dire de Don 't Stop Til You Get Enough, la comédie musicale de Michael Jackson qui doit décider s'il faut ou non tenir compte des accusations d'abus en série de Jackson), les créateurs devront décider comment ou s'ils amélioreront les originaux. Si Broadway veut avoir le mérite d'être réveillé, il devrait peut-être régler son alarme plus tôt.


Woke up Broadway : la difficulté de mettre à jour des histoires pour la scène

Voici une question de Tootsie, la comédie musicale de Broadway sur un acteur au chômage qui se travestit pour le succès : « A une époque où les femmes reprennent littéralement leur pouvoir entre les jambes des hommes, vous avez l'audace de enlever un travail à un en commettant un ? Cette ligne se démarque pour plusieurs raisons.

Est-ce vraiment un pouvoir qui intéresse les femmes ?

C'est en fait une très bonne question.

Alors que Broadway dépend de plus en plus des adaptations cinématographiques et des reprises chics, les créateurs ont un nouveau travail à faire (pas que tous le fassent) : réviser le matériel original afin qu'il n'affronte pas un public contemporain et prouver que rendre un scénario plus sensible ne ne le rendez pas moins tranchant ou drôle. Les mises à jour de livres suppriment généralement le langage raciste ou homophobe et améliorent certains, mais généralement pas tous, du sexisme le plus évident. Les paroles sont également souvent modifiées. Mais de nombreuses comédies musicales qui visent le réveil sont encore à moitié endormies. Comme Tootsie, un spectacle bien intentionné, sans doute plus drôle que le film de 1982 qui l'a inspiré. Il a atténué la panique gaie et a obligé son protagoniste masculin à tenir compte de ses actions. Et pourtant, il ne pouvait toujours pas gérer un rôle féminin entièrement dimensionné.

Les interventions de Tootsie, sinon entièrement réussies, étaient plus bénignes et moins grossières que quelques autres adaptations cinématographiques en musique, King Kong et Pretty Woman, qui se terminent toutes deux ce mois-ci. King Kong, un exercice cynique construit autour d'une marionnette simienne gigantesque et certes fantastique, tente de défaire une partie du racisme et de la rapine du film original en choisissant un acteur de couleur, Christiani Pitts, dans le rôle de l'actrice Ann Darrow et en désexualisant ce personnage. Mais en créant un lien entre un personnage noir et le singe et en lui faisant apprendre à rugir, le livre de Jack Thorne fait le commerce d'un primitivisme inquiétant.

Christiani Pitts dans le rôle d'Ann Darrow avec King Kong. Photographie : Matthew Murphy/King Kong à Broadway

King Kong n'a pas pris la peine d'attribuer à Ann des traits de caractère autres que vaguement courageux. Là encore, ses autres personnages sont tout aussi minces. Pretty Woman, un haut niveau de l'insipide et du ton sourd, a réussi un personnage tout en rondeur avec des espoirs et des rêves identifiables. Ce n'est pas Vivian, la chercheuse titulaire. Elle n'est même pas la protagoniste. Son vagin n'est que le moyen par lequel Edward, un investisseur en capital-risque, peut grandir. Étonnamment, peu d'attention a été accordée à la façon dont une histoire sur une travailleuse du sexe sans agence apparente se jouera maintenant. (À la moitié de sa capacité, la plupart des semaines.) Dans ce qui est apparemment le seul effort de récupération de la soirée, le livre de Garry Marshall et JF Lawton permet maintenant à Vivian de se sauver en battant un john qui ne veut pas de réponse. C'est un geste macho et malavisé, assimilant l'autonomisation à la violence.

Un problème similaire a assailli la reprise récemment fermée de Kiss Me, Kate, bien que les mises à jour d'Amanda Green sur le livre de Bella et Samuel Spewack et les paroles de Cole Porter soient pour la plupart astucieuses et réfléchies. Dans l'original, lorsque l'acteur Lilli ne se soumet pas à son réalisateur et partenaire de scène, Fred, il lui donne une fessée sur scène. Dans cette version, Lilli lui botte littéralement le cul et dans la scène suivante, aucun des deux ne peut s'asseoir, ce qui adoucit la violence contre les femmes, mais ne donne toujours pas l'impression d'être une amélioration.

Pourtant, il bat le Carousel de la saison dernière, qui a reconnu que son héros batteur de femme et son livre il m'a frappé et s'est senti comme un baiser pourraient être un problème et n'a ensuite rien fait à ce sujet en tant que réalisateur. En revanche, le remaniement audacieux de l'Oklahoma par Daniel Fish ! parvient à offrir pleine voix et intériorité à tous ses personnages (il est vrai que Rodgers et Hammerstein sont allés assez loin tout seuls), tout en se délectant de ses chansons joyeuses. Sans changer une ligne, cela montre également comment une culture de droit masculin et d'accès facile aux armes à feu empoisonne toute une communauté, frontalière ou autre. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Woke up Broadway: the difficulty of updating stories for the stage

H ere is a question from Tootsie, the Broadway musical about an out-of-work actor who cross-dresses for success: “At a time when women are literally clutching their power back from between the legs of men, you have the audacity to take a job away from one by perpetrating one?” That line sticks out for a few reasons.

Is that really a power women are interested in?

It’s actually a pretty good question.

As Broadway increasingly depends on movie adaptations and snazzy revivals, creators have a new job to do (not that all of them do it): revising original material so that it won’t affront a contemporary audience and proving that making a script more sensitive doesn’t make it any less trenchant or funny. Book updates typically remove racist or homophobic language and improve some, though usually not all, of the more obvious sexism. Lyrics are often receive a tweak, too. But many musicals that aim for woke are still half-asleep. Like Tootsie, a well-intentioned show, arguably funnier than the 1982 film that inspired it. It tamped down the gay panic and made its male protagonist reckon with his actions. And yet it still couldn’t manage a fully dimensional female lead.

Tootsie’s interventions, if not entirely successful, were more benign and less crude than a couple of other movie-to musical adaptations, King Kong and Pretty Woman, both of which close this month. King Kong, a cynical exercise built around a gigantic and admittedly fantastic simian puppet, attempts to undo some of the racism and rapiness of the original film by casting an actor of color, Christiani Pitts, as the actress Ann Darrow and desexualizing that character. But in creating a bond between a black character and the ape and having that ape teach her how to roar, Jack Thorne’s book trades in a worrying primitivism.

Christiani Pitts as Ann Darrow with King Kong. Photograph: Matthew Murphy/King Kong on Broadway

King Kong hasn’t bothered to assign Ann character traits other than vaguely plucky. Then again its other characters are equally thin. Pretty Woman, a high water mark of the tasteless and the tone deaf, has managed a fully rounded character with identifiable hopes and dreams. It’s not Vivian, the titular looker. She isn’t even the protagonist. Her vagina is merely the means by which Edward, a venture capitalist, can grow. Shockingly little attention has been paid to how a story about a sex worker without apparent agency will play now. (To half capacity, most weeks.) In what is seemingly the evening’s only recuperative effort, Garry Marshall and JF Lawton’s book now has Vivian rescue herself by beating up a won’t-take-no-for-an-answer john. It’s a macho move and a wrongheaded one, equating empowerment with violence.

A similar problem beset the recently closed revival of Kiss Me, Kate, though Amanda Green’s updates to Bella and Samuel Spewack’s book and Cole Porter’s lyrics are mostly canny and thoughtful. In the original, when the actor Lilli won’t submit to her director and scene partner, Fred, he spanks her onstage. In this version, Lilli literally kicks his ass and in the next scene neither can sit down, which softens the violence against women, but still doesn’t feel like an improvement.

Yet it beats last season’s Carousel, which acknowledged that its wife-beater hero and its he-hit-me-and-it-felt-like-a-kiss book might be a problem and then did nothing about it directorially. By contrast, Daniel Fish’s daring reworking of Oklahoma! manages to offer full voice and interiority to all its characters (admittedly Rodgers and Hammerstein got pretty far on their own), while still delighting in its joyous songs. Without changing a line, it also shows how a culture of male entitlement and easy gun access poisons a whole community, frontier or otherwise. And Bartlett Sher’s My Fair Lady, which closed this spring, lifted an odd line and scene from the 1938 Pygmalion movie, the better to expose the feminism already encoded in the show’s DNA, showing how Eliza’s path to selfhood didn’t include submitting to a man who couldn’t admit to loving her. He could get his own slippers.

Jacqueline B Arnold, Robyn Hurder, Holly James and Jeigh Madjus in Moulin Rouge. Photograph: Matthew Murphy

I thought about these various interventions last month at Moulin Rouge!, another adaptation of a popular film. The musical, with a book by John Logan, lowered some red flags, while doing a can-can dance with others. Like Baz Luhrmann’s original, it apparently centers on Satine, a celebrated actress and cabaret star, and the men who love her, Christian, a penniless songwriter, and the Duke of Monroth, a penniful nobleman and producer.

But in this version, directed by Alex Timbers, the musical that Christian is writing is no longer set in India, a move that dodges brownface and cultural appropriation. The sexuality and the barely-there costumes are now equal opportunity. The musical wisely replaces the movie’s titillating attempted rape with Satine’s open-eyed, if unenthusiastic acquiescence. It even gives her a semi-noble motive. She will boff the Duke (now younger and hotter and a lot less insane) not only for his money, but also to save the nightclub.

Yet the musical hasn’t bothered to give the toughened up Satine her own ambitions –something even the movie managed, with that Satine’s dreams of becoming a real actor — or to make her character as active as the men competing for her body. She lives, and conveniently dies, as inspiration and object.

The following Broadway season is still in flux and there are plenty of new plays and musicals – Slave Play, Six, The Inheritance, Jagged Little Pill – that don’t have to worry about updates. But with works such as Mrs Doubtfire and Some Like It Hot in development, more movie-to-musical adaptations about guys with talents for transvestitism, and The Devil Wears Prada, which used feminist buzzwords while leaning into gender stereotypes (to say nothing of Don’t Stop Til You Get Enough, the Michael Jackson musical that must decide whether or not to reckon with accusations of Jackson’s serial abuse), creators will have to decide how or if they will improve on the originals. If Broadway wants credit for being woke, maybe it should set its alarm earlier.


Voir la vidéo: EL JOVENCITO FRANKENSTEIN - Highlights Madrid, 2018 (Mai 2022).


Commentaires:

  1. Faiion

    Excuse, la question est supprimée

  2. Bidziil

    C'est une pièce très précieuse

  3. Vudorr

    Sans ambiguïté, la réponse idéale

  4. Mazonn

    Je ne suis pas d'accord avec toi



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